Twin Peaks 2017: Let’s Rock (Episodio 12)

In questa nuova puntata c’è tanta carne al fuoco, tante piccole scene che invece di dissipare qualche dubbio ci creano nuovi interrogativi. Lo spettatore più esigente sarà stanco di tutte queste lungaggini, ma l’impressione è che Lynch voglia tirare la storia per le lunghe, fino alla fine della stagione. A me sta bene così. Di certo la prima cosa che viene in mente nel veder scorrere i titoli di coda è: quant’è strano guardare un episodio di Twin Peaks senza Kyle MacLachlan (a parte una scena della durata di cinque secondi). Ormai siamo abituati a qualunque stranezza che riusciamo a godere di Twin Peaks con qualunque personaggio, in qualunque ambiente.

La puntata comincia con un bello spiegone di Albert a proposito dei casi “Rosa Blu”. Se avete visto recentemente “Fuoco cammina con me” (e avreste dovuto farlo, per capire qualcosa di questa stagione) sapete che con questo codice l’FBI si riferisce a quei casi in cui c’è di mezzo il sovrannaturale. Per questo è stato creato il reparto Blue Rose, con a capo Phillip Jeffreys (che era interpretato da David Bowie). Al servizio di Jeffreys furono impiegati soltanto tre agenti: Albert, Cooper e Chet Desmond (sparito nel nulla mentre indagava sul caso Teresa Banks nel parcheggio per camper di Carl, che abbiamo visto molte volte in questa stagione). Albert fa giustamente notare che è l’unico dei quattro membri della squadra a non essere sparito, motivo per cui l’FBI non ha fatto trapelare informazioni a proposito di questa task force. Finora, perché ad ascoltare tutta questa storia è Tammy, che viene invitata ad entrare nella squadra. La ragazza accetta con entusiasmo. Poco dopo entra in scena, da un tendone rosso che ci ricorda ben altri luoghi, la solita enigmatica Diane. Albert e Gordon le offrono un lavoro, oltre all’occasione di capire che cosa è successo al suo amico Cooper. La donna accetta usando un’espressione piuttosto simbolica: “Let’s Rock!” (termine usato dal Nano – The Man From Another Place – nella Loggia Nera durante il sogno di Cooper e soprattutto il messaggio lasciato su un camper subito dopo la sparizione di Chet Desmond in “Fuoco cammina con me”).

Passiamo a Twin Peaks: qualche secondo con Jerry Horne stralunato, tanto per non farcelo mancare, quindi la scena si sposta in un supermercato. Qui c’è Sarah Palmer che compra bottiglie di alcolici fino a ritrovarsi in preda ad una visione. Attacca i cassieri dicendo che devono stare attenti e affermando molte altre cose un po’ sibilline: “La tua stanza sembra diversa e degli uomini stanno arrivando. Possono succedere delle cose! A me sono successe delle cose…”. Gli uomini di cui parla la madre di Laura sono probabilmente gli uomini neri (i barboni, i woodsmen o come vogliamo chiamarli): erano stati creati dentro un minimarket e il fatto di trovarci in un supermercato potrebbe essere simbolico. Subito dopo qualche scambio di battute tra Carl e un suo inquilino, prima di trasferire la scena a Las Vegas, dove il figlio di Dougie lancia una palla da baseball verso il padre, colpendolo su una spalla.

Torniamo a Twin Peaks, che è meglio. Una casa inconfondibile domina l’inquadratura: è la casa dei Palmer. Hawk si reca a far visita a Sarah, per capirne di più sulla sua scenata al supermercato. I due parlano sulla soglia, la donna dice di star bene adesso, poi si sentono dei rumori dentro casa e Hawk si insospettisce e domanda se in casa c’è qualcuno. Sarah sembra stia nascondendo qualcosa, anche se afferma che si tratta di semplici rumori in cucina (sta mentendo, cazzarola!): “è una stramaledetta brutta faccenda, non è vero, Hawk?”. La signora Palmer sembra di nuovo in piena crisi, ma subito dopo si calma e congeda il vice-sceriffo. Che donna inquietante (e che attrice straordinaria).

Breve panoramica su Miriam in terapia intensiva (non devo ripetere ogni volta chi sono i personaggi, vero? Miriam era la testimone oculare dell’incidente in cui Richard ha investito il bambino, mandata all’ospedale dallo stesso Richard, il quale ha tentato di ucciderla un paio di puntate fa), quindi andiamo in South Dakota, dove Diane si messaggia con Mr C (il Cooper malvagio, come abbiamo spiegato qui): “Las Vegas?”, chiede lui, “Non l’hanno ancora chiesto”, replica lei. Las Vegas! Dougie! Quindi Mr C pensa che l’FBI sia già a conoscenza dell’esistenza di Dougie. Altro cambio di scena, torniamo a Twin Peaks: lo sceriffo Truman va da Ben Horne per riferirgli che suo nipote ha ucciso il bambino (quindi Miriam è riuscita a denunciarlo, evvai!). La prima cosa che vedo in questa scena è il portachiavi verde della stanza 315: presumo che Ben, dopo le cattive notizie, sposterà la conversazione su Cooper. E così è! Il direttore del Great Northern consegna allo sceriffo le chiavi, ricevute per posta qualche puntata fa, lasciando Truman molto sorpreso dai collegamenti che si stanno creando negli ultimi episodi. Poi Ben, una volta salutato lo sceriffo, parla a Beverly di suo nipote Richard, dicendo che è cresciuto senza un padre (ma tanto si è capito che ad ingravidare Audrey è stato Cooper cattivo, è inutile che date altri indizi).

South Dakota, again, Gordon Cole è intento a bere bordeaux con una gattina francese, quando Albert lo interrompe. Il serioso agente racconta dei messaggi tra Diane e il misterioso interlocutore, domandandosi insieme a Gordon cosa dovrebbero chiedere a Diane a proposito di Las Vegas. Lo scopriremo, nel frattempo Cole vorrebbe tornare a bere vino con la signorina di prima. Albert resta impassibile: “Albert, certe volte mi preoccupo tantissimo per te” (ma come facevano durante le riprese a non ridere questi due fenomeni? Sono stupendi). Nel frattempo Tim Roth, in compagnia di Jennifer Jason Leigh, fa fuori il direttore del carcere del South Dakota (l’ho capito leggendo il nome sui titoli di coda, se no chi se lo ricordava…).

Altra scena: Jacoby, nelle vesti di Beppe Grillo, lancia una delle sue invettive televisive contro la società. Nadine, come al solito, è estasiata. Subito dopo c’è un’entrata in scena totalmente inaspettata: Audrey Horne (!!!) è in piedi davanti ad un camino e sembra arrabbiata. La sua entrata in scena non è cool come quella di Diane ad inizio stagione, anzi, sembra che Audrey non sia mai andata via. Lynch continua a prenderci per i fondelli: ci ha fatto desiderare il ritorno di Audrey per dodici puntate e poi ce la propone così, all’improvviso, in una scena del tutto inaspettata. Dietro ad una grossa scrivania c’è un nano, che è suo marito (!!!). Lei è infuriata, perché vuole convincere Charlie (il marito) a venire con lei per cercare un certo Billy, che a quanto pare è il suo amante. L’uomo parla di un accordo che ha stipulato con Audrey: “Rinunceresti al nostro contratto? Rinnegheresti un contratto?” (non credo sia il contratto matrimoniale, anche se questo matrimonio deve far parte di un qualche strano accordo tra i due, ma magari mi sbaglio). Audrey fa un sacco di nomi (Billy, Paul, Tina) e noi ci chiediamo cosa stia succedendo: Lynch mette altra carne al fuoco quando mancano solo sei puntate? L’uomo alla fine fa una telefonata per scoprire cosa è successo a Billy, parla con questa Tina e dalla conversazione sembrano emergere notizie sensazionali. Audrey è sbalordita, vuole saperne di più e anche noi, ma purtroppo la scena si interrompe prima che possiamo capirci qualcosa. Si parla comunque di un camion di cui Billy e proprietario: forse si tratta del tizio spaventatissimo interrogato da Andy e poi sparito nel nulla? Quello a cui Richard aveva preso il camion con il quale aveva investito il bambino (cfr. Episodio 7)? Boh. Il punto è: noi siamo Audrey: sbuffiamo, vogliamo capirci qualcosa ma non possiamo. Lynch è Charlie: sa tutto e non ce lo dice.

Stacco su Diane. Al bar dell’albergo la donna digita le coordinate che aveva visto sulla foto del braccio di Ruth Davenport: indovinate un po’ che luogo indicano quelle coordinate? Ovviamente la nostra Twin Peaks. Proprio qui, come al solito, va a terminare la puntata: due ragazze bevono Heineken e parlano di una loro amica, del tizio con cui esce e di varie frivolezze, anche se il tutto è avvolto da uno strano alone: qualcosa sta per succedere. Per ora non ne sappiamo di più, speriamo vivamente di avere qualche risposta in più tra sette giorni, ma tanto sappiamo già che non l’avremo. Buonanotte.

Sherilyn Fenn in a still from Twin Peaks. Photo: Courtesy of SHOWTIME

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Omaggio a Jeanne Moreau

Uno dei più grandi amori della mia adolescenza è da oggi sul grande schermo del Cinema Paradiso: indimenticabili i suoi sorrisi in “Jules e Jim”, le sue lacrime sotto la pioggia in “Ascensore per il patibolo”, la vendicatrice che ispirò Tarantino in “La sposa in nero” e tanti altri. La sua leggerezza campeggia qui in alto, sull’immagine di questo blog, da tanti anni, con il sorriso beffardo della Catherine di Truffaut.
Eleganza in qualunque gesto, Bellezza in qualunque espressione.
Grazie per tutte le emozioni Madame Moreau.

“La gente si preoccupa di invecchiare, ma si è più giovani se non ci si preoccupa tanto della vecchiaia”

“Essere liberi significa scegliere, chi è schiavo è perché lo vuole essere”

“Non mi piace andare dove sono già stata. La vita è composta da una miriade di territori da scoprire, non voglio perder tempo con ciò che già conosco”

“Sebbene per alcuni il cinema significhi qualcosa di superficiale e alla moda, il cinema è altro: io penso che sia lo specchio del mondo”

“Essere un’attrice significa sintonizzarsi sulle fantasie di un uomo. Quale donna non ha mai sognato ciò?”

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Cooper, Doppelganger e Dougie: il punto della situazione su Twin Peaks

Mancano soltanto 7 episodi al termine di “Twin Peaks”. La serie culto di David Lynch sta per terminare, probabilmente per sempre. Sempre più persone, con il passare degli episodi, continuano a dire di non capirci nulla, si domandano perché esista Dougie e sembrano avere difficoltà ad accettare la presenza del Cooper malvagio. Ho pensato sia giunta l’ora di fare una bella ricapitolazione su questi personaggi, in particolare sul doppelganger di Cooper, che lo stesso Kyle Maclachlan ha deciso di chiamare Mr C (nome che adotterò anche io in questo articolo, anche perché scrivere ogni volta “Cooper malvagio” o “Doppelganger” è una faticaccia). Neanche a dirlo, tutto ciò che troverete dopo il faccione riflesso di Cooper, è SPOILER allo stato puro.

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Emozionare con la luce: il Direttore della Fotografia

La prima volta in cui ho sentito parlare di fotografia nel cinema ero davvero un bambino. Stavo vedendo un film, chissà quale, quando qualcuno, forse mia madre, disse: “La fotografia è davvero splendida”. Io, invece di chiedere lumi (scusate il gioco di parole), cominciai a fantasticare su come fosse possibile collegare la fotografia, che consideravo un’immagine statica, ad un film, che è immagine in movimento: ne dedussi che la Fotografia, nel cinema, fossero le inquadrature fisse, quelle che “sembravano essere una fotografia”, anche se al suo interno c’erano personaggi e oggetti che si muovevano. A parte questa storia dell’inquadratura fissa, che spero dimentichiate in fretta, non c’ero andato poi così lontano. Penso sia inutile spiegarvi cosa sia davvero la Fotografia nel cinema (non devo farlo, giusto?), quindi passerò direttamente a raccontarvi qualcosa in più a proposito della figura professionale che c’è dietro a questa arte: il Direttore della Fotografia (o DoP, come dicono quelli bravi).

Secondo la Treccani, “si definisce direttore della fotografia chi assicura una coerenza figurativa all’immagine lungo l’intero arco del film, secondo le necessità del racconto, attraverso la disposizione sul set delle fonti naturali e artificiali di luce”. Pensate solo che durante le riprese di un film, il direttore della fotografia è responsabile di moltissimi altri reparti, dagli elettricisti ai macchinisti, fino all’operatore di macchina, ovvero colui che effettua le riprese. In poche parole, il DoP è garante dell’immagine del film: si deve coordinare con lo scenografo per quanto riguarda la disposizione delle luci artificiali, con il reparto costumi per essere in sintonia con la scelta cromatica del film.

Questa figura professionale nasce negli Anni 20, quando il cinema cominciava lentamente a richiedere sul set professionisti specializzati, togliendo di fatto dalle mani del regista il compito di occuparsi di ogni cosa. Prima di allora la fotografia nel cinema era ancora piuttosto debole, non in grado di assumersi il compito di veicolare emozioni e di essere autonoma. I primi grandi nomi della fotografia cinematografica sono legati senza dubbio all’Espressionismo Tedesco: come sarebbero stati “M” di Fritz Lang o “Nosferatu” di Murnau senza la fotografia di Fritz Arno Wagner? Non lo sapremo mai, per fortuna. Questa corrente cinematografica aveva la necessità di mettere in scena la paura e l’angoscia, motivo per cui gli operatori furono costretti in qualche modo a dover maneggiare le ombre e il buio, una novità enorme per il cinema di quei tempi. Negli Stati Uniti però, prima del cinema tedesco, non si può mettere da parte il nome di Billy Bitzer, fondamentale per il suo regista David Wark Griffith, insieme (e per) al quale ha realizzato alcuni capisaldi del cinema come “Nascita di una nazione” o “Intolerance”.

Se negli anni 30 l’illuminazione del cinema favoriva un set tutto illuminato (di cui è figlio il Duccio di “Boris”, con la classica indicazione “Apri tutto!”), i film di genere, grazie anche a molti direttori della fotografia fuggiti dalla Germania nazista, trovarono una loro illuminazione di riferimento poi fondamentale nella nascita del cinema Noir.

L’avvento del colore ovviamente cambierà ancora di più le carte in tavola, con addirittura la nascita di un Premio Oscar apposito (ai tempi diviso in “Fotografia a colori” e “Fotografia in Bianco e Nero”). Senza scomodare la storia del cinema, possiamo affermare che con il passare degli anni il ruolo del direttore della fotografia, grazie anche a pellicole e lenti sempre più evolute (per non parlare della tecnologia digitale e della color correction in fase di post-produzione), ha rappresentato una fetta sempre più importante nella realizzazione visiva della fantasia del regista, portando spesso ad alcune collaborazioni storiche: pensate a Terrence Malick ed Emmanuel Lubezki, o a Ingmar Bergman e Sven Nykvist, per fare un paio di esempi, oppure a Paolo Sorrentino e Luca Bigazzi, se vogliamo restare nei confini nazionali.

Il regista può essere paragonato ad un direttore d’orchestra: la sua idea, la sua visione, è quella che tutti gli altri professionisti dovranno impegnarsi a realizzare. Ma a creare le suggestioni visive nello spettatore, a sapere quale emozione conferire ad una scena, è proprio il direttore della fotografia: dalla scelta delle luci, dalla posizione delle stesse, dalla temperatura e da molti altri fattori un ambiente, o un personaggio, possono sembrare rassicuranti o inquietanti, romantici o drammatici, cupi, claustrofobici o intimisti. Insomma, tanto per usare un’altra metafora, se il mostro di Frankenstein fosse un film, il regista sarebbe lo scienziato che si occupa di dargli vita, mentre il direttore della fotografia sarebbe colui che dovrà modellare la sua anima, il suo carattere, la sua natura (ovviamente in base alle indicazioni del regista).

Dopo tutto questo polpettone mi sembra il caso di darvi finalmente qualche altro nome. Per quanto riguarda gli Oscar, i più premiati in questa categoria, con 4 statuette ciascuno, sono stati Joseph Ruttenberg (“Il grande Valzer”, “La signora Miniver”, “Lassù qualcuno mi ama”, “Gigi”) e Leon Shamroy (“Il cigno nero”, “Wilson”, “Femmina folle”, “Cleopatra”). Ad avere più nomination invece, 18 insieme a Shamroy, è stato Charles Lang (Oscar per “Addio alle armi” e DoP, tra gli altri, di “Sabrina”, “A qualcuno piace caldo” e “Sciarada”). Altri nomi? Se avete amato “Quarto Potere” non potete non conoscere il nome di Gregg Toland, una sorta di leggenda per quanto riguarda questa figura professionale. Tra quelli contemporanei bisogna citare il dio Lubezki (“The Tree of Life”, “I figli degli uomini”, “Gravity”, “Birdman”, “Revenant”), Roger Deakins (storico collaboratore dei fratelli Coen, al quale abbiamo dedicato questo articolo), Janusz Kaminski (“Schindler’s List”, “Salvate il soldato Ryan”, “Minority Report”), Robert Yeoman (“Il treno per il Darjeeling”, “Moonrise Kingdom”, “Grand Budapest Hotel”) oppure Bruno Delbonnel (“Il favoloso mondo di Amelie”, “A proposito di Davis”, “Faust”). Ovviamente sto tralasciando qualche nome importante. E tra gli italiani? Impossibile non nominare il tre volte vincitore del Premio Oscar Vittorio Storaro (“Apocalypse Now”, “Reds”, “L’ultimo imperatore”) o il maestro Peppino Rotunno (“Rocco e i suoi fratelli”, “Amarcord”, “Il Gattopardo”). Tra gli altri vanno ricordati il già citato Luca Bigazzi (“La grande bellezza”), Tonino Delli Colli (“Il buono il brutto il cattivo”, “C’era una volta in America”), Pasqualino De Santis (Oscar per “Romeo e Giulietta” di Zeffirelli) e Dante Spinotti (“Nemico Pubblico”, “L.A. Confidential”).

Vi propongo un gioco: riguardate un film che amate molto e concentratevi sull’uso della luce. Andate poi a cercare il nome del direttore della fotografia e date un’occhiata alla sua filmografia: scommettiamo che in quella lista troverete molti altri film che amate?

Vi lascio con un bel video che raccoglie tutti gli Oscar per la Fotografia dal 1927 al 2016. Se vi interessa l’argomento restate da queste parti, perché nelle prossime settimane vi farò conoscere, uno alla volta, tutti i più grandi direttori della fotografia della storia del cinema. Poi non andate a dire che non vi voglio bene.

 

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Emmanuel Lubezki (Revenant, Birdman, The Tree of Life e I figli degli uomini)

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Recensione “Master of None” (2015)

“Capace in tutto, maestro di niente”: da questa espressione inglese l’attore Aziz Ansari, una celebrità negli States, ha tratto spunto per una serie da lui scritta, diretta ed interpretata, capace di raccontare con brio e credibilità la vita di un trentenne a New York, come tutti noi alle prese con le difficoltà legate alla ricerca di un posto nel mondo, alla realizzazione professionale e sentimentale, in cui tutti, chi più, chi meno, sono costretti a fallire ripetutamente prima di trovare la giusta direzione. Ma cosa succede se le direzioni da prendere sono innumerevoli? Circondato da un gruppo di amici piuttosto originale (un’afroamericana gay, un asiatico e soprattutto un bambinone alto due metri), Dev, il protagonista, proverà a sondare migliaia di tasselli nella speranza di realizzare il puzzle della sua felicità. La cosa sarà ancor più complicata per il semplice fatto che Dev è indiano (seppur newyorchese fino al midollo): una caratteristica che rende lo show molto meno superficiale di quanto potrebbe sembrare ad una prima occhiata. Si parla quindi di differenze etniche, religiose, sessuali, in una eterna lotta contro gli stereotipi (in cui il nostro però cade miseramente nel momento in cui sposta le vicende in Italia, all’inizio della seconda stagione, dove c’è spazio anche per un tenero omaggio a “Ladri di Biciclette”). Ci sono tante, tantissime gag, alcune battute fulminee che fanno pensare al miglior Woody Allen (e le immagini così appassionanti di New York non possono non far pensare a lui). C’è un amore per il dialogo spontaneo che sembra uscito fuori da una collezione di mumblecore d’annata. Ci sono riferimenti a film e canzoni che faranno immergere ancor di più gli spettatori della nostra generazione in alcune scene che sembrano davvero tratte dalla nostra vita (alzi la mano chi non si è mai ritrovato a canticchiare i successi di John Scatman). E poi c’è lei, la regina di tutti i sentimenti: la malinconia, piatto forte di una serie che alterna risate e sopracciglia aggrottate con la stessa facilità con la quale salta da una cena a base di tapas ad un piatto di pasta (il cibo italiano e le canzoni nostrane del secolo scorso sono un altro importante caposaldo dello show).

In mezzo a tanti pregi, ci sono forse troppe gag basate sulla lettura a voce alta di messaggi di chat, pareri amichevoli su quale messaggio scrivere ad una ragazza e piccoli momenti (rari) in cui si avverte una carenza di idee riempita da gag a base social-tecnologica (e qui ci faccio probabilmente la figura del dinosauro, ma tant’è). La verità è che la serie fa ridere e al tempo stesso ci fa riflettere, come raramente si vede in un prodotto etichettato come commedia (e qui torna però Woody Allen, un maestro nello strappare una risata prima di gettarsi nella malinconia più profonda). E se (SPOILER ALERT) il finale della seconda stagione può definirsi addirittura sorprendente nella sua indefinita conclusione in pieno stile Richard Linklater (altro maestro della commedia malinconica), è l’episodio conclusivo della prima stagione il momento probabilmente più alto di tutta la serie: Dev, durante il matrimonio di un amico, si domanda come facciano due persone ad essere così convinte di voler passare il resto della vita insieme. Da qui, la classica pallina su un piano inclinato: una semplice domanda interiore scatenerà una serie di eventi a catena che porteranno il protagonista a tornare sui suoi desideri più reconditi, citando un meraviglioso passo da “La campana di vetro” di Sylvia Plath: “Vidi la mia vita diramarsi davanti a me come il verde albero di fico del racconto. Dalla punta di ciascun ramo occhieggiava e ammiccava, come un bel fico maturo, un futuro meraviglioso. Un fico rappresentava un marito e dei figli e una vita domestica felice, un altro fico rappresentava la famosa poetessa, un altro la brillante accademica, un altro ancora era Esther Greenwood, direttrice di una prestigiosa rivista, un altro era l’Europa e l’Africa e il Sudamerica, un altro fico era Costantin, Socrate, Attila e tutta una schiera di amanti dai nomi bizzarri e dai mestieri anticonvenzionali, un altro fico era la campionessa olimpionica di vela, e dietro e al di sopra di questi fichi ce n’erano molti altri che non riuscivo a distinguere. E vidi me stessa seduta alla biforcazione dell’albero, che morivo di fame per non saper decidere quale fico cogliere. Li desideravo tutti allo stesso modo, ma sceglierne uno significava rinunciare per sempre a tutti gli altri, e mentre me ne stavo lì, incapace di decidere, i fichi incominciarono ad avvizzire e annerire, finché uno dopo l’altro si spiaccicarono a terra ai miei piedi”.

Un accenno infine al cast: non mancano i volti noti, sia americani che di casa nostra. L’esplosivo Bobby Cannavale mette addosso una nostalgia incredibile di “Vinyl”, c’è la Giulietta di Baz Luhrmann (Claire Danes), c’è un cameo di John Legend, ci sono Riccardo Scamarcio e soprattutto Alessandra Mastronardi, vera star della seconda stagione. In attesa di scoprire se ci sarà una terza stagione, è possibile lanciarsi nella visione delle prime due, composte ognuna da 10 puntate di circa mezzora: preparatevi, tra le altre cose, a piegare le gambe ad angolo per ballare il twist, a sognare un viaggio romantico a Nashville e a desiderare le tapas di New York, riscoprendo, tra una battuta e l’altra, la bellezza della cultura italiana.

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Twin Peaks 2017: Il Fuoco Nero (Episodio 11)

Dopo l’episodio sottotono della settimana scorsa, finalmente una ripresa, lenta come Dougie, ma comunque una ripresa (con due-tre scene a mio avviso eccezionali). Ancora non succede molto, ma si tratta ad ogni modo di una bella puntata che tra l’altro ci fornisce alcune piccole indicazioni sul proseguo della serie. Andiamo con ordine e cominciamo dall’inizio dell’Episodio 11.

La puntata si apre con alcuni ragazzini che giocano con una palla da baseball e casualmente incappano in Miriam, la donna massacrata da Richard Horne nella scorsa puntata. Miriam è viva e insanguinata, striscia sull’erba, ma ancora resiste. Restiamo a Twin Peaks: Becky, la figlia di Shelley, è letteralmente fuori di sé, scopre che suo marito è con un’altra donna e si reca in un albergo o quello che è per ucciderlo. Non riuscirà nel suo intento e subito dopo la ritroveremo al Double R seduta al tavolo con i suoi genitori: Shelley e (rullo di tamburi) Bobby. Scopriamo inoltre che Shelley di cognome fa Briggs, dunque, come tra l’altro annunciato al termine della seconda stagione di Twin Peaks, Bobby l’ha sposata (anche se ora Shelley abbandona le riunioni di famiglia per fuggire innamorata tra le braccia di quel narcotrafficante di Red, a quanto pare il suo passato non le ha insegnato proprio niente eh!). Al ritorno di Shelley, degli spari rompono la tranquillità del locale di Norma. Sono partiti accidentalmente da un bambino, che aveva appena raccolto in macchina la pistola del padre (aah, gli Stati Uniti, mortacci vostra e di chi vi fa tenere le armi in libertà). Bobby esce dal locale e cerca di ricomporre la situazione, mentre dietro all’auto con il bambino una donna suona il clacson ininterrottamente. Dopo alcuni minuti Bobby finalmente le si avvicina e vi trova all’interno una signora urlante che parla di ritardi, di cene, di zii e di una bambina malata. Dal sedile del passeggero si alza improvvisamente dal buio la bambina, con movenze da zombi e con un rivolo di vomito verde che le esce dalla bocca senza soluzione di continuità. La scena è assurda ma agghiacciante. Nonostante il vento di scirocco di questa sera, la bambina col vomito mi ha davvero gelato il sangue, giuro.

A Buckhorn intanto, Gordon Cole, Albert, Tammy, lo sceriffo di Buckhorn e Hastings (il preside della scuola incriminato per la morte della bibliotecaria Ruth) si dirigono nel posto indicato dall’uomo durante l’interrogatorio (a Sycamore Street… ricordate gli alberi di sicomoro nel bosco di Twin Peaks?). Albert e Gordon vedono uno degli uomini brutti, sporchi e cattivi dietro una baracca. Gordon si avvicina alla “Zona” e vede uno strano vortice nero in cielo, all’interno del quale c’è una stanza con gli uomini neri (?!). Albert lo tira fuori da là prima che Gordon faccia la fine di Laura Palmer nel primo episodio (l’effetto-risucchio è molto simile). I due scoprono dunque il corpo senza testa di Ruth (la quale ha scritte sul braccio delle coordinate), mentre uno dei barbuti, cioè gli uomini neri, cioè i tizi sporchi, riesce a possedere Hastings fino a fargli esplodere la testa (!). Gli sbirri si riuniscono nell’ufficio dello sceriffo per cercare di dare una spiegazione a tutto ciò, Albert e Gordon affermano di aver visto uno di questi uomini e Diane addirittura aggiunge di averlo visto uscire dalla macchina dello sceriffo (il quale, così come Tammy, non ha visto assolutamente nulla). Albert mostra a Gordon le coordinate impresse sul braccio del cadavere di Ruth: Diane sembra decisamente molto interessata ai numeri e Albert lo capisce immediatamente. A Gordon Cole tra l’altro trema la mano: in Twin Peaks questo succedeva quanto il varco per la Loggia Nera si stava per aprire (ricordate tutte quelle mani tremanti al Double R, verso la fine della seconda stagione?).

Intanto nell’ufficio dello sceriffo di Twin Peaks, Truman e Hawk stanno studiando il luogo dove devono dirigersi. Attraverso Google Earth Truman non capisce un granché, ma ecco che Hawk tira fuori una mappa indiana piena di strani simboli: il vice-sceriffo comincia a parlare di un Pino Blu, del grano nero (simbolo di morte!) e del fuoco che, se associato al grano nero, si trasforma nel simbolo del Fuoco Nero (e la cosa a quanto pare non è molto incoraggiante). Neanche a dirlo, arriva la telefonata della Signora Ceppo che afferma che il suo ceppo ha paura del fuoco e che c’è il fuoco nel luogo dove Hawk è diretto. Truman, sorpreso, si sofferma ad osservare il Fuoco Nero disegnato sulla mappa.

Se in questo episodio non c’è traccia del Doppelganger, non può invece mancare il mitico Dougie Jones. Il suo capo gli dice che deve incontrare i fratelli Mitchum per consegnar loro un assegno con un risarcimento da trenta milioni di dollari (che proprio Dougie durante i suoi “compiti a casa” ha contribuito a far ottenere). I due gangster invece lo vogliono incontrare per ucciderlo. Jim Belushi tuttavia ha fatto un sogno premonitore: Doug deve avere con sé una scatola con dentro una torta di ciliegie, in questo caso non andrebbe assolutamente ucciso. L’autista porta Doug nel bel mezzo del deserto del Nevada, il nostro Cooper ha effettivamente con sé una scatola di cartone (comprata su indicazione di Mike, in una delle sue visioni della Loggia Nera). Rodney Mitchum gli punta contro una pistola e tutto ciò (scatola di cartone nel deserto + pistola puntata su un uomo disarmato) mi ha dato un vago sentore di deja-vu: forse è un omaggio a “Seven” di Fincher? I gangster non solo trovano la torta di ciliegie del sogno, ma anche l’assegno di trenta milioni che pensavano gli fosse stato negato. Insomma: Doug diventa tipo il loro nuovo migliore amico, i due fratelli lo portano fuori a mangiare la torta di ciliegie e Cooper la divora (“Damn good!”), il sapore probabilmente gli ricorda qualcosa di molto familiare…

In conclusione, tra bambini inquietanti, teste esplose all’improvviso e sogni premonitori, la puntata non è stata proprio sprecata, anche se aspettiamo ancora che Lynch ci lanci qualche bomba. Cooper/Dougie dopo 11 episodi sembra sempre lì lì per riprendersi ma invece non si sveglia mai (e probabilmente la cosa andrà avanti fino alla puntata 18, ve lo dico io). Truman e Hawk si preparano sempre più per l’entrata nella Loggia, dove in qualche modo sembrano diretti anche Gordon e Albert. Sette episodi al termine, ora è il momento di aspettarsi i veri botti da parte di una serie che, al netto di alcune scene davvero evitabili, è davvero formidabile (e che soprattutto non sembra avere tutti i punti morti delle prime due stagioni, le quali restano però imbattibili in quanto ad emozioni forti e coinvolgimento). Cosa aspettarsi dalla prossima puntata? Si tratta di David Lynch quindi… aspettiamoci di tutto!

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Blade Runner 2049: sarà finalmente Oscar per Roger Deakins?

Il direttore della fotografia è la figura professionale più importante e al tempo stesso più sottovalutata della storia del cinema. Presto tra queste pagine daremo inizio ad una rubrica dedicata proprio ai grandi DoP della storia: senza di loro il cinema non sarebbe assolutamente lo stesso. Molti registi devono le loro fortune a questi straordinari professionisti, ma non è ancora il momento di parlare di questo.

A settembre arriverà in sala l’attesissimo sequel di “Blade Runner”. Dalle prime immagini c’è un elemento che balza subito agli occhi per la sua grandiosità: la fotografia di Roger Deakins. Il quasi settantenne britannico è stato nominato agli Oscar ben 13 volte, tuttavia senza mai riuscire a portare nel Regno Unito l’ambitissima statuetta (se avete amato “Le ali della libertà”, “Fargo”, “L’uomo che non c’era”, “Non è un Paese per vecchi”, “Prisoners” o “Kundun”, il merito è anche suo). Con “Blade Runner 2049”, diretto da Denis Villeneuve, Deakins avrà probabilmente una nuova chance. Ecco una galleria di frame tratti proprio dalla sua ultima fatica, anche perché se sul film ancora non possiamo dare giudizi, sulla fotografia invece si può già parlare di capolavoro.

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